Die Tanzausbildungsprogramme des American Ballet Theatre sind legendär, aber das Unternehmen widmet sich auch der Kultivierung neuer choreografischer Stimmen. Das Incubator-Programm von ABT, das jetzt im fünften Jahr stattfindet, bringt jedes Jahr im Januar eine Gruppe junger Choreografen für einen zweiwöchigen Aufenthalt in die Studios des Unternehmens, der Studiozeit, eine Besetzung von zwei bis drei Tänzern aus den Kategorien und ABT-Lehrlingen sowie choreografisches Training umfasst – und völlige künstlerische Freiheit, um ein 5-10-minütiges Stück zu erstellen. Und zum ersten Mal gipfelte der 2023 Incubator in einer Live-Performance, die am 13. Januar an der Pace University stattfand.
„ABT und andere Tanzkompanien haben die Verantwortung, aufstrebende Choreografen zu ermutigen und Möglichkeiten für ihre Entwicklung zu bieten“, sagt José Sebastian, künstlerischer Leiter der Incubadora und Tänzer im Corps de Ballet der Kompanie. „Der Inkubator ist eine wesentliche Möglichkeit, diese Verpflichtung zu erfüllen.“
Die diesjährige Kohorte, die durch Vorsprechen ausgewählt wurde, umfasste fünf Künstler in verschiedenen Phasen ihrer Karriere – von den erfahrenen Tänzern Mark Caserta und Roderick George bis zur neuesten Choreografin Eva Alt, der ABT-Solistin Luciana Paris und dem erstmaligen Choreografen und Korpsmitglied Tyler Maloney – deren Bewegung Stile umfassen Einflüsse aus zeitgenössischem Tanz, klassischem Ballett, Tango und Hip-Hop. „In der diesjährigen Gruppe von Choreografen gibt es eine große Vielfalt an Ästhetiken“, sagt Gregory Dolbashian, der die choreografische Beratung übernahm. Was sie zusammengebracht hat, sagt er, ist, dass „sie sich zwar in verschiedenen Entwicklungsstadien als individuelle Schöpfer befinden, aber alle eine sehr durchdachte und unterstützende Herangehensweise an die Arbeit und Zusammenarbeit mit Darstellern haben.“
Incubator bietet auch zahlreiche Belohnungen für Tänzer, die Erfahrungen in der künstlerischen Zusammenarbeit sammeln und ihre Ausdruckspalette mit Bewegung erweitern, die Grenzen überschreitet. „Die Chance, mit einem Kollegen zu kreieren, ist unbezahlbar“, sagt Sebastian, „ebenso wie die Gelegenheit für diese aufstrebenden Künstler, mit anderen Choreografen zusammenzuarbeiten“.
Tanz Magazin betraten mit jeder Gruppe von Künstlern die ABT Studios, um einen Einblick in ihre Incubator-Erfahrung zu bekommen.
Eva Alt
„Für mich fing es mit der Musik an, die ein Gitarrenquartett-Arrangement eines Streichquartetts von Philip Glass ist. Ich fing an, es zu hören, als wir aus der Pandemie herauskamen, und ich ging durch die Stadt und sah zu, wie es aufwachte und wieder lebendig wurde. Wenn ich Musik höre, sehe ich sie physisch und ich sehe Bilder von Tanz, die ein bisschen wie ein Ballsaal wirken. Ich liebe es, Gesellschaftstanz zu sehen, und diese Musikalität und Intensität wollte ich in das Stück einfließen lassen. Ich wusste, dass es ein lustiges, verspieltes und natürlich unbeschwertes Stück werden würde, also ließ ich diese Gefühle einfach durch die Bewegungen fließen.“
„Einen Tanz zu machen ist wie ein Puzzle zu lösen, und ich habe diesen Prozess mit den Tänzern wirklich genossen. Sie waren unglaublich engagiert in die Zusammenarbeit mit mir und ich habe es wirklich genossen, das gemeinsam zu entdecken.
Roderick George
„Der größte Teil meiner Arbeit basiert auf Improvisationsstudien, die ich im Unterricht nicht artikuliere. Der kreative Prozess beginnt damit, dass ich mir selbst Aufgaben erstelle und mich selbst beim Improvisieren zu Hause, im Studio, im Freien usw. filme. choreografische Hinweise. Mit Wiederholung und Musik werden diese Tracks dann solider.“
„Ich verwende eine Mischung aus Gesellschaftstänzen, Ballettästhetik, modernen Tanzformen und Akrobatik. Die meisten sind übergreifende Ideen aus meiner professionellen Tanzkarriere.“
„Ich wollte in eine Atmosphäre eintauchen, in der Künstler ihre Psyche um Perfektion und Bestätigung kreisen lassen, aber ich möchte Wege finden, ihre authentischste Form zu würdigen – die vielen emotionalen Bögen, die Individuen verkörpern, und ihre Komplexität. Als Künstler sind wir Rezipienten der Gesellschaft und der Bereiche, an denen wir teilhaben.“
Marco Caserta
„Die Bewegungssprache ist der Höhepunkt meiner Ausbildung als Tänzerin und Künstlerin, gemischt mit der Einzigartigkeit der Menschen, die an jeder Arbeit beteiligt sind. Die Sprache ist voll von Verweisen auf Queerness und meine Erfahrungen als queere Person, zeitgenössisches Ballett, Theatralik und Schauspiel und die Neuinterpretation der Art und Weise, wie ich meine Ausbildung dem Studium gewidmet habe. Ich schätze Rhythmus, Textur, Formgebung und Neuordnung. Aber die größten Informanten meiner Bewegungssprache sind die Künstler, mit denen ich zusammenarbeite, und was sie individuell in der Choreografie und Regie finden, die ich anbiete.“
„Ich liebe es, mit jeder Person im Studio individuell zu spielen. Es ist eine wirklich unterhaltsame Art, ein Gefühl für ihre einzigartige Energie und künstlerische Handschrift zu bekommen. Zunächst haben wir ein Material für alle als individuelle Soli geschaffen, und die Energie schien von dort in ein Solo und ein Duett im Einklang zu fließen.“
„Das Leben ist wild und beängstigend, und es fühlt sich oft an, als würden wir das Ende der Welt erleben. Heutzutage ist es wirklich anstrengend, nur als eine Person zu existieren, die mit der Welt verbunden ist. Ich denke, all dies ist in die Sprache der Arbeit eingegangen. Zu sehen, wie Aleisha, Fangqi und Joseph wachsen und sich den Herausforderungen dieses Prozesses stellen, war unglaublich, und ihre Selbstermächtigung im kreativen Prozess ist entscheidend für das Gefühl der Arbeit. Das Stück fängt die Einzigartigkeit unserer Zeit ein und verstärkt sie zusammen mit diesen Herausforderungen und Einblicken.“
Tyler Maloney
„Ich bin von Natur aus sehr erzählerisch orientiert, also wollte ich etwas Mühe in diese Kreation stecken, um etwas zu schaffen, das das Publikum dennoch etwas fühlen lässt, ohne zu wörtlich zu sein. Das Konzept, das ich hatte, war, wer wir sind und wie wir uns nach außen darstellen, und der innere Kampf, die Kraft zu finden, das zu sagen und zu tun, was wir wirklich wollen. In dem Stück geht es sehr darum, sich selbst zu pushen und sich dem zu stellen, was man wirklich ist.“
„Mein Ziel ist es, klassische Technik so zu präsentieren, dass jeder, der zuschaut, unabhängig von seiner Balletterfahrung, das Stück fühlen und sich darauf beziehen kann. Ich versuche, virtuose Ballettschritte mit flüchtigeren Momenten zu mischen.“
Luciana Paris
„Die Choreografie entstand im Studio mit den Tänzern. Ich choreografiere meine Ideen, aber ich priorisiere immer Ihren Komfort – was sich für mich natürlich anfühlt, kann für meine Tänzer völlig anders sein, nicht organisch. Ich finde, das ist es, was ich am meisten an der Zusammenarbeit liebe, das Verstehen meiner Bewegungen durch Tänzer.“
„Tango bestimmt die Bewegung des Stücks sehr stark. Ich wollte den Tango zwischen Männern erkunden, wie er in den Straßen von Buenos Aires begann, aber aus einer anderen Perspektive, mit der Freiheit, die wir heute haben, wenn Tango auf der ganzen Welt getanzt wird, einschließlich des queeren sozialen Tangos.“
