Diese Art, verstörende Bilder zusammenzubringen, um sie zu hinterfragen, ist auch das Thema des bemerkenswerten neuen Dokumentarfilms von Wim Wenders „Anselmo“ der unmittelbar nach McQueens Film gezeigt wurde. Dieser neueste Film ist eine Art Schwesterfilm des gefeierten „Pina“ aus dem Jahr 2011 und bietet einen faszinierenden und manchmal atemberaubenden Blick auf den deutschen Künstler Anselm Kiefer.
Meine Kunstkenntnisse sind völlig dürftig und ich gebe völlige Unwissenheit zu, wenn es um diesen ikonoklastischen Maler, Bildhauer, Holzfäller und Buchmacher geht. Von den Eröffnungsszenen an werden wir mit surrealen Kostümbildern verwöhnt, etwa mit weißen, brautkleidähnlichen Kleidern, die in einem sonnendurchfluteten Wald verstreut liegen, und denen jeweils verschiedene Formen der Angst hinzugefügt werden. Es gibt Stacheldraht und Gras, große Metallreifen krönen es wie einen Roboterkopf und große Glasscherben, die das Material auf viszeral eindringliche Weise durchschneiden. Wir sehen Kiefer auf seinem Fahrrad in einem kleiderbügelähnlichen Atelier fahren, echte Flugzeugteile in Lebensgröße, die Bestandteile mehrerer seiner Installationen sind. Die Bildschirme selbst sind atemberaubende, mehrstöckige Bauten, für deren Navigation Scherenhebebühnen erforderlich sind. Es ist absolut verrückt zu sehen, wie diese Gemälde und Skulpturen zusammenkommen, und wir bekommen nicht nur ein Gefühl für die immense Größe, sondern auch für die Komplexität und Textur dieser monumentalen Werke.
Im weiteren Verlauf des Films werden uns Nachbildungen verschiedener Momente in Kiefers Leben präsentiert, wobei der jüngste vom Wenders-Sohn gespielt wird und die mittelalte Version von Kiefers eigenen Nachkommen gespielt wird. Es muss sich alles ein wenig abgedroschen anfühlen, aber irgendwie spiegelt die Mischung der Töne perfekt die Mischtechnik von Kiefers eigener Arbeit wider. Wenders schafft es, „Pina“ mit dieser noch bemerkenswerteren Darstellung eines Künstlers als jungen, mittleren und älteren Mann zu übertrumpfen, indem er Kiefers eigene Kunstwerkzeuge nutzt, um unser Verständnis dafür zu erweitern, wie sie hergestellt werden, und um uns zu ermöglichen, wer nie Ich hatte nicht das Privileg, den Kunstatelierkomplex zu erleben, der auf lohnende filmische Weise komponiert wurde.
Und schließlich war der neu geschaffene „Ultimate Cut“ ein weiterer, vor allem im kindischen Sinne kompromisslos langer Film „Caligula“. Die Originalveröffentlichung von 1979 war legendär, und die Titelkarte erinnert an Kommentare wie „moralischer Holocaust“, die gegen sie erhoben wurden und gegen die Autor, Regisseur und sogar Komponist geklagt hatten, um ihre Namen aus der Veröffentlichung entfernen zu lassen. Thomas Negovan griff auf die ursprünglichen Kameranegative zurück und schaffte es, eine Version zu schaffen, die Gore Vidals ursprünglichem Drehbuch näher kommt, während er gleichzeitig die zusätzliche Hardcore-Pornografie vermied, die der Produzent des Films, Bob Guccione, angab Penthouse-Magazin Ruhm, der damals hinzugefügt wurde, um etwas Geld aus der Katastrophe zu erwirtschaften.
