Vielleicht ist es Wunschdenken, aber Cannes scheint immer in einem wilden Rennen zu enden, wenn die Festivalhallen die letzten paar Preisanwärter verdrängen. (Am Freitag, einen Tag vor der Verleihung der Goldenen Palme, feierten zwei neue Filme des Wettbewerbs Premiere. Der Jury Zeit zum Nachdenken über ihre Entscheidungen zu geben, ist in Cannes keine Pflicht.) Werfen wir der Reihe nach einen Blick auf die vier Finalisten.
von Catherine Breillat “Letzten Sommer,” In ihrem ersten Spielfilm seit dem mehr oder weniger autobiografischen „Abuse of Weakness“ vor zehn Jahren kehrt sie zu ihrer typischen Art der sexuellen Provokation zurück („Fat Girl“, „Anatomy of Hell“). Technisch gesehen handelt es sich um ein Remake des skandinavischen Films „Queen of Hearts“ (2019), obwohl dieser, wenn ich mich richtig an diesen Film erinnere, eine viel nachdenklichere und schneidendere Behandlung ist, insbesondere im Hinblick auf sein Ende.
Anne (Léa Drucker) ist eine Anwältin, die häufig Vergewaltigungsopfer verteidigt und daher einiges über Machtverhältnisse weiß und weiß, wie Zeugen als Lügner dargestellt werden können – eine Fähigkeit, die ihr im Privatleben nützlich sein wird. Trotz der offensichtlichen Gefahr ist sie in eine sexuelle Beziehung mit ihrem 17-jährigen Stiefsohn Théo (Samuel Kircher) verwickelt und hält diese unter der Nase ihres Mannes und Vaters Pierre (Olivier Rabourdin) aufrecht.
Breillat interessiert sich hier für mehrere Dinge: das Unbehagen des Zuschauers zu testen, das weibliche Verlangen offen darzustellen (in einer der Sexszenen ist die Kamera ganz nah auf Annes Gesicht gerichtet) und das Recht auf sexuelle Heuchelei zu verteidigen. Dennoch ist „Last Summer“ für Breillat-Verhältnisse ziemlich harmlos und ich habe keine Sekunde daran geglaubt, dass sich diese Charaktere aufeinander einlassen würden. Aber vielleicht verdient der Film an dieser Stelle eine kleine Lizenz.
„Perfekte Tage“ist nach der 3-D-Dokumentation „Anselm“, einem Eintauchen in das Werk des Künstlers Anselm Kiefer, der zweite Film von Wim Wenders in Cannes in diesem Jahr. Dieser Spielfilm wurde in Tokio gedreht (was in der elektrischen Palette des Kameramanns Franz Lustig sensationell aussieht) und ist größtenteils auf Japanisch. Koji Yakusho spielt Hirayama, einen Badezimmer-Hausmeister, der nicht stumm ist, aber meistens nicht spricht. Es wäre überhaupt nicht überraschend, wenn Yakushos unauffällige körperliche Leistung am Samstag eine Auszeichnung gewinnen würde.
Ein Großteil des Films besteht einfach darin, Hirayama dabei zuzusehen, wie er durch Tokio fährt, Toiletten putzt, eine Partie Tic-Tac-Toe mit einem mysteriösen Gönner spielt, der ihm ein Blatt Papier in einer der Toiletten hinterlässt, und/oder den Tieren zuzuhören , Nina Simone, oder wen auch immer Wenders auf den Soundtrack setzen möchte. (Lou Reed liefert natürlich den Titel.) Schließlich wurde Hirayamas Nichte (Arisa Nakano) erscheint vor Ihrer Haustür und für eine kurze Strecke hat „Perfect Days“ fast eine Handlung. Der Film fühlt sich viel mehr wie ein Humorstück der Wenders an, die „Kings of the Road“ und „Paris, Texas“ gemacht haben, als wie die Wenders, die „Palermo Shooting“ (2008) gemacht haben, den katastrophalen letzten Ausflug des Regisseurs in den Cannes-Wettbewerb. Doch während die Schwarz-Weiß-Traumsequenzen ein mysteriöses Element hinzufügen, fühlt sich „Perfect Days“ letztendlich etwas zu leicht an.
von Alice Rohrwacher„Die Chimäre“ ist ein später Anwärter auf den seltsamsten und am wenigsten bewerteten Film des Wettbewerbs. Darin ist Josh O’Connor als Arthur zu sehen, ein Engländer in Italien, der Teil einer Gruppe wird, die Geld verdient, indem sie etruskische Gräber ausfindig macht, ausgräbt und plündert und die Antiquitäten an eine mysteriöse Gestalt namens Spartacus verkauft (vermutlich wie im Film „Ich bin Spartacus“) „Szene aus „Spartacus“ – es könnte jeder sein, ist es aber nicht).
Rohrwacher („The Wonders“, „Happy as Lazzaro“) hatte schon immer einen indirekten Ansatz beim Geschichtenerzählen, und es braucht Zeit, sich „La Chimera“ anzusehen, um ein vollständiges Gefühl für die Implikationen des Plans zu bekommen. Es dauert jedoch nicht lange, um zu erkennen, dass es sich um einen unermüdlich einfallsreichen Film handelt, der Filmmaterial (Hélène Louvart war für die Kamera verantwortlich) und Proportionen mischt und sich fließend zwischen Traumlogik und Realität bewegt. Der Humor ist unkonventionell (in den ersten Minuten schlägt Arthur einen Sockenverkäufer in einem Zug, und es gibt ein letztes Stück über einen Kunstverkauf auf See, der genauso gut aus einer „Austin Powers“-Fortsetzung stammen könnte). Ich fand „La Chimera“ sowohl absolut faszinierend als auch völlig beunruhigend. „Happy as Lazzaro“ hat mir zwei Ansichten gekostet, und ich vermute, dass das auch hier der Fall sein wird.
Der Titel von Ken Loachs neuem Drama, „Die alte Eiche“, bezieht sich auf den Namen eines Pubs, der 2016 in einer Stadt im Norden Englands zum umstrittenen Gebiet wird. Die langjährigen Bewohner ärgern sich über den Niedergang ihrer ehemaligen Bergbaugemeinde und sehen im jüngsten Zustrom von Flüchtlingen aus Syrien einen Sündenbock. TJ Ballantyne (Dave Turner), der Barbesitzer, zögert, den Neuankömmlingen zu helfen, und setzt darauf, dass die fremdenfeindlichen Einheimischen seine Rechnungen bezahlen. Doch er verliebt sich in Yara (Ebla Mari), eine Fotografin, die ihm klar macht, dass ein alter Wert aus den Tagen der Bergarbeitergewerkschaft – die Idee, dass Menschen zusammen bleiben, wenn sie zusammen essen – die Lösung für die Schließung sein könnte ein sinnloses Geschäft. Schlitz.
Loach kann heuchlerisch und belehrend sein („I, Daniel Blake“, der ihm 2016 seine zweite Goldene Palme einbrachte, tarnte eine differenzierte politische Haltung als existenzielle Aussage), aber „The Old Oak“ ist einer der stärksten Filme aller Zeiten gemacht. aus seiner langen Karriere mit dem Drehbuchautor Paul Laverty, mit dem er seit Ende der 1990er Jahre zusammenarbeitet. Das ist eine Party, weil dabei der Charakter an erster Stelle steht. TJ und Yara sind nicht nur Spielfiguren in der Gesellschaft, sondern haben wirklich komplexe Motivationen, die von ihrem Leben und ihrer Geschichte beeinflusst werden. Bedauerlicherweise ist Lavertys Vorliebe, das, was eigentlich Subtext sein sollte, in lange Schimpftiraden umzuwandeln, nicht ganz verschwunden, und die einem Hund zugefügte Grausamkeit scheint etwas zu sein, das er und Loach nur hinzugefügt haben, um den Elendsfaktor zu verstärken (es gibt Schatten vom Ende von „Kes“). ). Aber das ist immer noch etwas sehr Mächtiges.
Abschließend muss ich noch einmal auf zwei Wettbewerbsfilme eingehen, die früher beim Festival Premiere hatten und die ich nie erwähnt habe.
Kaouther Ben Hania„Vier Töchter“ ist neben Wang Bings „Youth (Spring)“ einer von zwei Dokumentarfilmen im Wettbewerb dieses Jahr; In den meisten Jahren gibt es keine. Im Mittelpunkt steht Olfa Hamrouni, eine tunesische Mutter, deren zwei Töchter geflohen sind, um sich dem Islamischen Staat in Libyen anzuschließen. Ehrlich gesagt war dies nur ein Fall, in dem ich große Schwierigkeiten hatte, mich in den Film zu vertiefen, ein Problem, das immer auf das Festival-Syndrom zurückzuführen ist – der Versuch, zu viele Filme in zu kurzer Zeit zu sehen. Aber „Four Daughters“ verwendet ein gewisses Maß an konzeptionellen Tricks (Mischung von Schauspielern und echten Menschen in Nachstellungen), die dazu neigen, von der Geschichte abzulenken. Ich fragte mich, ob es als reiner Dokumentarfilm vielleicht fesselnder gewesen wäre.
E Ramata-Toulaye Sy „Banel & Adama“hatte das Unglück, dass die Hauptpressevorführung nur drei Minuten vor Beginn von Martin Scorseses „Killers of the Flower Moon“ geschlossen wurde, was bedeutete, dass sich jeder Journalist, der sich Sorgen um seinen Blutdruck machte, direkt zu Scorsese begab und später „Banel & Adama“ erreichte zutreffend. Soweit ich das beurteilen konnte, hatte dies den Effekt, dass Sys Film ins Rampenlicht gerückt wurde.
„Banel & Adama“ ist sein Spielfilmdebüt. (Sie war am Drehbuch zu „Unsere Liebe Frau vom Nil“ beteiligt, bei dem Atiq Rahami Regie führte, der dieses Jahr in der Jury sitzt.) Sie sind das Titelpaar, das im ländlichen Senegal lebt. Banel (Khady Mane) war ursprünglich mit Adamas Bruder verheiratet, aber Adama (Mamadou Diallo) heiratete sie traditionell nach dem Tod seines Bruders. Und Adama, im Alter von 19 Jahren, zögert, den Posten des Dorfvorstehers zu übernehmen.
In dieser Hinsicht stimme ich mit dem scheinbaren Konsens überein: Andere Kritiken haben im Allgemeinen das Missverhältnis zwischen der mitreißenden Bildsprache des Films und seiner uneinheitlichen Erzählung festgestellt, in der die Darstellung geradlinig oder missverständlich ist.
