Hallo zusammen, willkommen zurück bei Wrong Every Time. Wir haben gerade die Hälfte der Frühlingssaison hinter uns, was bedeutet, dass die meisten neuen Shows ihren Eröffnungsglanz verloren haben, und ich kann anfangen herauszufinden, was es wirklich wert ist, dieser Saison zu folgen. Natürlich werde ich The Witch From Mercury irgendwann aktualisieren, aber was Neuankömmlinge betrifft, sieht es so aus, als wäre Tengoku Daimakyou derjenige, der es wert ist, überprüft zu werden? Ich bin auch immer noch entschlossen, mein Zuhause im Birdie Wing zu errichten, was meiner Meinung nach unsere kürzliche Rückkehr zu Hot Shots Golf erleichtern wird. Und Scheiße, es gibt auch Vinland Saga! Okay, dieses müßige Grübeln hat schnell mehr Verantwortlichkeiten offenbart, als ich erwartet hatte, also werde ich dieses Wochenende wahrscheinlich an einigen neuen Shows arbeiten. Aber lassen Sie uns in der Zwischenzeit eine neue Sammlung von Filmen bei Week in Review brennen!
Die erste war diese Woche gonin, ein Yakuza-Drama von 1995 unter der Regie von Takashi Ishii. Koichi Sato spielt Bandai, einen Nachtclubbesitzer, dessen Geschäft in Yakuza-Schulden ertrinkt, nachdem die Wirtschaftsblase geplatzt ist. Zusammen mit einer Gruppe von vier anderen verzweifelten Männern plant er, seine Schuldner auszurauben und zu fliehen. Der Plan ist von Anfang an wackelig und in Aktion noch chaotischer, und als die Yakuza zwei Attentäter (angeführt von Takeshi Kitano) anheuern, um das Team aufzuspüren, geraten die Dinge schnell ins Wanken.
Ich wandte mich an Gonin, basierend auf einer Vielzahl von tangentialen Quasi-Empfehlungen – jemand sprach auf Twitter darüber, die faszinierende Tatsache, dass dies Kitanos erster Film nach einem Unfall war (er trägt sogar eine Augenklappe, um ein undichtes Auge zu verbergen) und so viele Gerüchte des Yakuza-Franchise wurde von diesem Film kopiert. Was ich erwartet hatte, war ein lustiges und unbeschwertes Krimidrama, aber was ich bekam, war viel mehr als das. Gonin ist packend, grotesk, bewegend und herzzerreißend und scheut keine Mühen, um die menschlichen Kosten sowohl des wirtschaftlichen Zusammenbruchs als auch des organisierten Verbrechens darzustellen.
Bandai und seine Gefährten veranschaulichen Gonins Kräfte der Desorientierung und die Fähigkeit, aus dem Chaos eine Tragödie heraufzubeschwören. Seine Gruppe besteht aus einem schwulen Drogendealer, einem Ex-Detektiv, einem wahnsinnigen Angestellten und einem thailändischen Zuhälter, die alle zunächst wie vertraute Archetypen oder einfach nur verrückt erscheinen. Während ihres Überfalls bleiben sie im Grunde das, was sie bleiben – aber bei der Illustration ihrer Folgen sehen wir in allen eine strukturierte Menschlichkeit und die Verzweiflung nach einer Rückkehr zur Normalität, die sie dazu trieb, Attentäter zu stehlen. Alle ihre Geschichten werden vom Gespenst des wirtschaftlichen Zusammenbruchs oder dem Wunsch nach Intimität im Elend heimgesucht. Und obwohl ihre Beziehungen anfangs angespannt und zerbrechlich erscheinen, beweist ihre Verzweiflung, die Menschen, die sie lieben, innerhalb und außerhalb der Gruppe zu schützen, die wahre Güte ihrer Natur.
Leider sind sie auch fünf rücksichtslose Zivilisten, die im Wesentlichen einen unordentlichen Treffer auf einem örtlichen Yakuza-Zweig landen und schnelle und vollständige Vergeltung fordern. Nachdem ein erstes Drittel in der Rücksichtslosigkeit und dem Chaos dieser kollaborativen Gruppe versunken ist, sieht der Rest des Films, wie sie Ruhm im Niedergang finden, einen nach dem anderen von einem finsteren, unerbittlichen Kitano abgeholt. Wie die Vergänglichkeit der Wirtschaftsblase selbst verstehen wir den Wert dieser Charaktere erst dann vollständig, wenn sie von der Bühne treten und sich den Überlebenden mit einem Funken Hoffnung entgegenstrecken. Ein absoluter Sturm von einem Film und eine einfache nachdrückliche Empfehlung.
Wir haben dann unsere Purge-Lore mit aktualisiert Die ewige Säuberung, der fünfte und jüngste Eintrag im berühmten Purge-Kanon. Fünf Jahre nach The Purge: Election Year bin ich erleichtert, sagen zu können, dass das Purge-Franchise aufgehört hat zu fragen, ob wir alle miteinander auskommen können. Die erste Säuberung nach dem 6. Januar verzichtet auf jegliche Vorstellungen von vage definierten Spaltungen: Die Gewalt und der Hass in unserer Gesellschaft spiegeln direkt ihre MAGA-Komponente wider, und diese Menschen werden nicht zufrieden sein, bis sie den Rest von uns töten. The Forever Purge konzentriert sich auf eine weiße Bauernfamilie und die mexikanischen Arbeiter, die sie auf ihrer Farm beschäftigen, und postuliert einen landesweiten 6. Januar, in dem Psychopathen leben NEIN Sie kehren beim Klang der Glocke friedlich in ihre Häuser zurück und versuchen stattdessen, ein blutiges Amerika nach ihrem eigenen Bild aufzubauen.
Also ja, ich bin froh zu sehen, dass sich die Politik dieses Franchise verbessert, obwohl ich offensichtlich keine Art von glänzendem sozialem Kommentar von dem Franchise „Was wäre, wenn wir uns alle umbringen“ erwarte. Darüber hinaus folgt The Forever Purge den Lehren seiner besten Vorgänger und konzentriert sich auf eine eng verbundene, gut etablierte Gruppe von Spielern, um seinem Drama etwas emotionales Gewicht zu verleihen. Darüber hinaus ist Everardo Valerio Gout der bei weitem stärkste Regisseur des Franchise, der den Actionsequenzen des Films ein Gefühl von Klarheit und Umfang verleiht, zusammen mit einem Rahmenanspruch, der alles übertrifft, was das Franchise zuvor versucht hat. Die Sequenzen unserer Helden, die durch ein zerbombtes El Paso schleichen, erinnerten an den Schluss von Children of Men, mit beeindruckend langen Schnitten, die dem Publikum die Möglichkeit nehmen, zu Atem zu kommen. Ich hätte nie daran gedacht, einen Purge-Film mit Alfonso Cuarón zu vergleichen, aber diese Features stecken anscheinend immer noch voller Überraschungen. Ich bin bereit für den nächsten!
Unsere nächste Show war ein fröhlicher mexikanischer Slasher, der genaue Name Friedhof des Terrors. Der Film ist im Wesentlichen eine Mischung aus Halloween und Evil Dead und zeigt eine Gruppe von Teenagern, deren Idee von Halloween-Spaß darin besteht, eine Leiche aus einem Leichenschauhaus zu stehlen und zu versuchen, die Toten wiederzubeleben. Leider wissen sie das kaum Das Insbesondere die Leiche ist die eines rücksichtslosen Serienmörders (!), der auch eine Meisterhexe (!!) ist.
Cemetery of Terror ist in den meisten Aspekten seiner Produktion ziemlich rudimentär, aber es trifft immer noch alle Beats, die Sie von einem breiigen Horrorfilm erwarten würden. Seine größte Qualität ist zweifellos das Akzeptieren von Exzess; Der Film stellt in der Mitte eine zweite Gruppe jüngerer Kinder vor, nur um den Terror am Laufen zu halten, und er ist voller köstlich grotesker Zombiekostüme. Es ist genau die Art von kostengünstigem Exploitation-Theater, das Sie von einem Dollar-Kino oder einem Autokino erwarten oder vielleicht im Hintergrund eines anderen Films spielen würden. Nicht gerade sättigend, aber wer erwartet das schon von Popcorn?
Als nächstes schauen wir uns Kurosawas an Groß und Klein, die Geschichte eines Managers von National Shoes (Toshiro Mifune), der sich mitten in einem chaotischen Kampf um die Unternehmensnachfolge befindet. Nachdem Mifune alles ausgenutzt hat, um das Kapital unter seine Kontrolle zu bringen, will er den Deal abschließen, als er einen Anruf erhält, der ihn darüber informiert, dass sein Sohn entführt wurde und sterben wird, wenn er kein exorbitantes Lösegeld zahlt. Die Situation wird nur kompliziert, als sich herausstellt, dass er tatsächlich Mifunes Sohn war. Treiber der entführt wurde, was zu einem brutalen Spiel mit der Moral und angespannten polizeilichen Ermittlungen führte.
Das erste Drittel von High and Low spielt fast ausschließlich in Mifunes Wohnzimmer, aber die Spannung lässt keine Sekunde nach. Gefangen in diesen Mauern und zerquetscht zwischen Ehrgeiz und Menschlichkeit entfaltet sich Mifunes Abstieg wie die Harpune eines großen Wals, während ein bösartiger Schlag zu Anfällen von Verzweiflung und schließlich Unbeweglichkeit führt. Die Charaktersperre in dieser Sequenz ist eine der besten, die ich im Film gesehen habe, und erinnert sowohl an Hitchcocks Perfektion als auch an Ozus zarte Anmut. Und Mifune ist so gut wie immer, sein rasendes inneres Feuer ist kaum in seiner geschmackvollen Kleidung enthalten, was ihn noch verheerender macht, wenn das Feuer gelöscht wird. Was darüber hinaus diese Fortsetzung und den Film im Allgemeinen so gut macht, ist die verzweifelte, hässliche Aufrichtigkeit von Mifunes moralischer Reise; Er durchläuft im Wesentlichen alle Stadien der Trauer, während er sein Verderben erkennt, und veranschaulicht die aufgeladene persönliche Berechnung, die seinem endgültigen Opfer vorausgeht.
Nach solch einem atemberaubenden Eröffnungsakt fühlt sich der eigentliche Prozess der Jagd auf Mifunes Nemesis wie echte Erleichterung an, wobei eine zweideutige persönliche Tragödie durch die lebensspendende Gewissheit der Schurkerei dieses Gegners ersetzt wird. Die Jagd nach dem Entführer bietet eine zufriedenstellend clevere Mischung aus Polizeiarbeit und ängstlichen Verfolgungsjagden, gemildert durch ständige Erinnerungen daran, dass die Wölfe, gegen die Mifune kämpfte, unabhängig davon, wie diese Ermittlungen gelöst werden, bereits für sein Verderben gesorgt haben.
Nach einem Film, der zwischen der Sinnlosigkeit der Gerechtigkeit und der Gewissheit des Hasses hin und her geworfen wird, fühlt sich Mifunes letzte Konfrontation mit seinem Peiniger wie das Urteil über die Menschheit selbst an, wobei Mifunes Spiegelbild im Glas über seinem Feind schwebt und über die Möglichkeit einer Absolution debattiert. Der letzte Schrei seines Feindes ist ein Schrei der Begierde, den Mifune niemals korrigieren konnte, und es ist schwer zu sagen, ob selbst Mifune durch seinen Sturz aus Arroganz positiv verändert wurde. Genau das macht diesen Film so menschlich: Seine formale Brillanz steht im Dienst einer moralischen Verwerfung, in der die Darsteller ihren Mitmenschen alles aufprägen, was sie über Menschlichkeit glauben, und die verworrene Komplexität unserer Motive zugunsten des Absoluten ignorieren. Uns selbst wirklich zu sehen, in diesen Spiegel zu schauen und unser Spiegelbild zu sehen, ohne mit der Wimper zu zucken, ist oft mehr, als wir ertragen können.
