Novene ist ein Gemeinschaftsprojekt des Choreografen Jay Carlon, der Komponistin Micaela Tobin und eines unkonventionellen dritten Mitarbeiters: rice. Das Werk, das 2022 uraufgeführt wurde, befasst sich mit den neun Phasen der Trauer und stellt die Novene, ein katholisches Trauergebet, durch eine queere postkoloniale Linse neu vor, die sich auch auf Carlons philippinisches Erbe stützt. Laut Carlon (der die Pronomen he/they verwendet) spielt Reis eine große Rolle in Novene– und in seinem größeren Prozess als Künstler. „Reis wurde zu etwas, von dem ich als Ressource in meiner Arbeit wirklich besessen war“, sagen sie. „Ich bin mit Reis aufgewachsen, habe drei Mal am Tag Reis gegessen, und ich wollte Reis nur in der Rolle der kulturellen Identität, der Nahrung, der Kolonialisierung verwenden – Reis als Leinwand.“
Während der Aufführung – die Teil eines größeren Werkes ist, AUFWACHEN, die dieses Jahr Premiere haben soll – Carlon trägt einen Sack Reis über die Bühne und legt ihn auf einen Boxsack, mit dem er ringt. Dann schneidet er ein Loch in den Boxsack und lässt den Reis über seinen Körper laufen. Dieses Duett, sagt er, ermöglicht es ihm, „einen Großteil des Schmerzes und Leidens in Akzeptanz und Freude umzuwandeln“, indem er den traditionell im Novenenritual verwendeten Rosenkranz durch Reis ersetzt.
Essen spielt seit 2020 eine wichtige Rolle in Carlons Arbeit, als ihn die Pandemie zu einer tiefen Reflexion darüber veranlasste, wie es wäre, die Performance zu dekolonisieren. „Ich wollte es tun, indem ich das Publikum füttere“, erinnert er sich. „Wenn du in ein philippinisches Haus gehst, werden sie dir als erstes essen, und wenn du nicht isst, ist es unhöflich. Also habe ich versucht, das in meine Praxis einfließen zu lassen.“
Wie Carlon durch die Projekte entdeckte, die er seitdem geschaffen hat – darunter ein Food- und Cocktail-Event sowie mehrere Künstlerauftritte und Vorträge –, gibt es viele Trennlinien zwischen Tanz und Essen. Carlon und andere Tanzkünstler nutzen Essen nicht nur als Inspiration, sondern auch als Weg, um Themen wie Nachhaltigkeit, Identität, Kultur und Erbe zu erforschen.
fruchtbare Parallelen
Laut Meryl Rosofsky, Ernährungswissenschaftlerin an der New York University und Schöpferin des Breaking Bread with Balanchine-Projekts – einer Works & Process-Veranstaltung aus dem Jahr 2018, die das Leben des Choreografen durch seine Liebe zum Essen erforschte – gibt es wörtliche und metaphorische Parallelen zwischen den Kunstformen. Sie nennt Technik, Timing und etablierte Regeln als einige der deutlichsten Ähnlichkeiten, während sie gleichzeitig die expressive Natur jedes Mediums betont. „Beide erlauben und werden durch Improvisation und Experiment bereichert; beides kann zu Fehlern oder gar Misserfolgen führen, aber auch zur Möglichkeit echter Transzendenz“, sagt sie. „Und ich denke, beides hängt mit dem Wunsch zusammen, anderen Freude und Nahrung zu geben – kulturelle, spirituelle und zwischenmenschliche Nahrung.“
Diese Verbindungen sind etwas, das Portland Ballet-Tänzerin Eliana Trenam aus erster Hand erfahren hat. Trenam, der in mehreren guten Restaurants gearbeitet hat und ein aktiver Hobbykoch ist, sagt, Tanz und Essen überschneiden sich sowohl in ihrer vergänglichen Natur als auch in der Art und Weise, wie sie das Gewöhnliche außergewöhnlich machen können. „Wenn Sie zurückgehen und dasselbe bestellen würden, wäre es jeden Abend ein bisschen anders“, erklärt sie. „Genau wie bei einer Aufführung sind keine zwei Erfahrungen identisch, und das macht sie lebendig und fesselnd.“
Rosofsky glaubt, dass sowohl Tanz als auch Essen die einzigartige Fähigkeit haben, anderen – und uns selbst – zu zeigen, was uns zu dem macht, was wir sind. „Essen erzählt unsere Geschichten. Ich denke, das war es auf den Punkt gebracht“, sagt sie. „Essen und Küche definieren uns und verkörpern viel von unserem angestammten Erbe und unseren persönlichen Biografien sowie der heutigen Welt um uns herum.“
Kultur und Prozess erhellen
Viele Tanzkünstler nutzen diese Parallelen – und die Fenster, die sie bieten –, um sich mit ihrer eigenen Kultur und ihrem Familienerbe zu verbinden und die Herkunft anderer zu verstehen. Dancers Unlimited, ein Unternehmen mit Sitz in New York und Hawaii, begann mit der Entwicklung ihrer neuesten Arbeit, essbare Märchen, durch Gespräche über die Lebensmittel, mit denen jeder Tänzer aufgewachsen ist, und die Erinnerungen an diese Mahlzeiten. Das Unternehmen nutzte auch Verbindungen zu hawaiianischen Ältesten, die bei der Kreation traditionelle, nachhaltige Methoden des Anbaus von Taro, einem heiligen hawaiianischen Lebensmittel, praktizieren essbare Märchen.
„Wir konnten wirklich auf die Farm gehen und bis zum Oberschenkel tief in die Taro tauchen“, sagt Linda Kuo, Mitbegründerin und Direktorin von Dancers Unlimited. „Es war eine Erfahrung, wenn Sie nicht daran gewöhnt sind – im Schlamm zu sein, sich um die Taro zu kümmern und wirklich über die Beziehung nachzudenken, die die Taro für die Ureinwohner Hawaiis darstellt, was es für uns als Siedler bedeutet, ein Teil davon zu sein dieser Umgebung und wie es uns allen geht.
Während einer Sitzung essbare Märchen, ein Tänzer klopft Taro auf die Bühne und erzeugt so einen Rhythmus, zu dem sich die anderen Tänzer bewegen. Die Arbeit beinhaltet auch einen Altar mit Essen von der Familie jedes Tänzers und eine immersive Installation, die es dem Publikum ermöglicht, Samen zu pflanzen.
„Tanz und Essen öffnen automatisch ein Fenster in die eigene Kultur“, sagt Candice Taylor, Co-Artistic Director des essbare Märchenund fügte hinzu: „Für mich war die Verwendung von Lebensmitteln wirklich ein weiteres Werkzeug, um auf meine Vorfahren zuzugreifen und etwas über verschiedene Kulturen zu lernen.“
Carlon nutzte seinen künstlerischen Prozess auch, um sich mit Wurzeln zu verbinden – sowohl seinen eigenen als auch denen seines Essens. Im Dezember 2022 reiste der Choreograf in seine Heimatstadt auf den Philippinen und besuchte die Reisfarm seines Onkels, um zu lernen, wie man die Ernte anpflanzt. „Ich wollte meine Hände und Füße auf den Boden legen und das ist mir in meiner Heimatstadt, wo meine Familie herkommt, gelungen“, sagen sie. „Generationen dieser Art von Kultivierung, und ich habe es endlich geschafft, mich darauf einzulassen.“
Nachdem Carlons Reis im März geerntet wurde, bewahrte sein Onkel eine Tüte für ihn auf, und der Künstler hofft, sie im Rahmen einer „irgendeiner Art ritueller Verlobung“ verwenden zu können, etwa bei einem Essen mit seiner Mutter oder bei der Verwendung des Reises in einer Aufführung. .
Ein Schiff für soziale Gerechtigkeit
Neben der Verwendung von Tanz und Essen, um in sich selbst einzutauchen, nutzen Künstler es auch, um Fragen der Nachhaltigkeit, des fehlenden Zugangs, des Verlusts von Heimatländern und anderer Themen der sozialen Gerechtigkeit zu untersuchen. Ananya Chatterjea, künstlerische Leiterin der Gründungsphase des Ananya Dance Theatre, erwog 2006 zum ersten Mal, sich in ihrer Arbeit mit den Themen Essen und Ernährung auseinanderzusetzen, als sie mit indischen Bauern über die Unvorhersehbarkeit der Monsunzeit sprach, mit der sie zuvor gerechnet hatten.
„Es hat mir irgendwie einen Hinweis darauf gegeben, wie das, was wir in der Großindustrie tun, diese Veränderungen verursacht hat, die uns wirklich in Gefahr gebracht haben“, erinnert sie sich. „Ich fing an, über diese Konzepte von Essenswüsten nachzudenken, wie so viele Kinder nicht wissen, woher ihr Essen kommt, weil sie es nicht gelernt haben.“
Diese Gespräche inspirierten Chatterjea auch dazu, eine Trilogie von Werken zum Thema Umweltgerechtigkeit zu erstellen, und sie vertiefte sich in ihrer Arbeit von 2015 spezieller mit lebensmittelbezogenen Themen. Roktim: Nurture Incarnadine und sein Werk Moreechika: Season of Mirage aus dem Jahr 2012.
Kuo und Taylor sagen auch, dass sie sich nach der Erforschung ihrer Erinnerungen an Lebensmittel und ihrer Verbindung zu Herkunft und Kultur auch mit Themen der sozialen Gerechtigkeit befasst haben, die mit Lebensmitteln in Verbindung stehen. „Es geschieht durch Gespräche über Einwanderung, Assimilation, Verlust der Verbindung zur Esskultur oder im Falle der Ureinwohner Hawaiis durch den Verlust von Land, um sogar die Nahrung ihrer Vorfahren anzubauen“, erklärt Kuo. „Das Gespräch verlagerte sich von Hausmannskost zu sozialer Gerechtigkeit und kulturellem Erbe.“
Sich von Essen inspirieren zu lassen, kann nicht nur ein geeignetes Medium sein, um diese Themen zu erforschen, sondern auch einen großen Unterschied im Leben der Tänzer selbst bewirken, sagt Chatterjea. Durch ihre choreografischen Lebensmitteluntersuchungen betrachteten Chatterjea und ihre Kompaniemitglieder „die Art und Weise, wie Frauen und Femmes auf der ganzen Welt mit Saatgut und Lebensmitteln arbeiten, um ihre Gemeinschaften zu fördern und zu schätzen“. Was sie aus der Untersuchung erfuhren, wurde zu einem großen Teil ihrer Unternehmenskultur. „Die Beziehung der Tänzer zum Essen ist kompliziert. Denial of Food ist etwas, das für Tänzer wirklich verherrlicht wird“, sagt Chatterjea. „Wir sind das Gegenteil davon. Aufgrund dieser Praktiken, Lebensmittel als Nahrung und das, was aus der Erde gewachsen ist, als Nahrung zu betrachten, ist die Beziehung zu Lebensmitteln innerhalb des Unternehmens sehr unterschiedlich.“
