Als die Association of Performing Arts Professionals im Januar zu ihrer ersten persönlichen Konferenz seit drei Jahren zusammenkam, war die Luft überladen. Endlich kehrte das Publikum zu Live-Auftritten zurück, und APAP ist der Marktplatz, auf dem Moderatoren, Produzenten, Künstler und Unternehmer Kontakte knüpfen und Geschäfte abschließen. Allerdings waren nicht alle begeistert, wieder an die Arbeit zu gehen. „In der Kunst akzeptieren wir einen Burnout-Lebensstil“, sagte Keri Mesropov, Director of Talent bei der in Colorado ansässigen Beratungsfirma TRG Arts, auf einer Generalversammlung. „Ich habe Kunden, die nicht einmal wissen, dass sie erschöpft sind, bis sie in die Notaufnahme kommen.“ Wenig später fügte sie hinzu: “Ich bin es leid, ein bisschen kleiner zu träumen, weil wir nicht die Ressourcen haben.”
In den letzten drei Jahren haben wir uns gesündere Wege zur Geschäftsabwicklung, zur Durchführung integrativerer Veranstaltungen und zur besseren Unterstützung von Künstlern vorgestellt. Im Moment steht die Tanzgemeinschaft an einem entscheidenden Punkt. In der Dringlichkeit, zum normalen Geschäftsbetrieb zurückzukehren, besteht die Gefahr, dass wir genau das tun.
„Wir haben uns nicht erholt“, sagt Sandy Garcia, Reservierungsleiterin bei Pentacle, einer gemeinnützigen Organisation, die Künstlermanagement unterstützt. „Wir sind noch dabei, es herauszufinden. Während COVID gab es Interesse von Menschen in der Region, diese Gespräche zu führen und auf diese Änderungen hinzuarbeiten. Aber es besteht die ständige Möglichkeit, dass die Dinge zurückkommen könnten, oder wenn Rassengerechtigkeit nicht im Vordergrund dessen steht, was alle denken, treten diese Dinge in den Hintergrund. Das ist Teil der Herausforderung – Sie möchten, dass diese Dinge haften bleiben.“
Tanz Magazin sprach mit Mitgliedern der darstellenden Gemeinschaft, Künstlermanagern und Tanzkünstlern darüber, was sie sehen – und gerne sehen würden – während das Live-Performance-Geschäft voranschreitet.
Burnout ist real
„Die meisten, wenn nicht alle Tanzkünstler, die ich kenne, sind jetzt ausverkauft“, sagt Brinda Guha, eine unabhängige Tänzerin, Choreografin und Kuratorin, die derzeit mit dem multikulturellen Percussion-Trio Soles of Duende auftritt. „Es gibt ein Gefühl der Erschöpfung, wenn es darum geht, Honorare auszuhandeln, uns erklären zu müssen, unseren Wert beweisen oder für etwas vorsprechen zu müssen. Erschöpfung“, sagt sie, „sinkt in unseren Muskeln. Wie halten wir durch, wenn wir so müde sind?” Während der Pandemie verließen 8 von 10 Mitgliedern von Guhas Tanzkompanie mit Sitz in New York die Stadt. „Ein paar Monate lang habe ich aufgehört zu kreieren. Ich habe meinen Schwung verloren. Ein Großteil unserer Kreativität stammt aus der Zusammenarbeit mit vertrauenswürdigen Einheiten im Weltraum, um herauszufinden, was wir gemeinsam tun.”
Dieses Gefühl des Verlustes spiegelt sich in 58 Interviews mit Tänzern wider, die von der Jerome Robbins Dance Division der New York Public Library for the Performing Arts in ihrem COVID-19 Dance Workers Narrative Project initiiert wurden. Als die Redakteurin des Projekts, Susan Kraft, die Transkripte überprüfte, fiel ihr jedoch noch etwas anderes auf. „Ich war sehr bewegt von ihrer Widerstandsfähigkeit“, sagt sie. „Sie entdeckten ihren Körper und ihre Tanzpraktiken auf eine ganz neue Art und Weise und stellten wieder eine Verbindung zu ihnen her. Einige hatten Arbeitslosenunterstützung und erlebten, wie es ist, sich auf ihr Leben und ihre Gesundheit zu konzentrieren, wie sie es normalerweise nicht tun. So sehr viele von ihnen es vermissten, mit anderen im Studio zu sein, wollten sie doch nicht so weit zurück wie früher.”
Tanzkünstler sind nicht die einzigen, die während COVID tief durchatmen. „Bis 2019 hatte ich 150.000 Meilen bei United“, sagt Paul King, der zusammen mit Walter Jaffe White Bird in Portland, Oregon, gründete, das jetzt in seiner 25. Saison Arbeiten von lokalen und tourenden Tanzkünstlern präsentiert und in Auftrag gibt. „Ich war überhaupt beim Be- und Entladen. Wir waren bei Mach 10 mit brennenden Haaren. Dieses Tempo konnte ich auf keinen Fall halten.“ Während der Pandemie erstellten die beiden Gründer, die jetzt in ihren 70ern sind, einen zweijährigen Nachfolgeplan, um die Zügel an einen neuen CEO, Graham Cole, 29, zu übergeben. King sieht dies als Teil eines Generationswechsels, der sich in allen Aspekten des Bereichs vollzieht – Geldgeber, Stiftungen, Publikum und Tanzkompanien.
Gibney in New York City ist ein Beispiel für eine ähnliche Generationsbewegung. Anfang 2022 förderte die Organisation, die Studio- und Theaterräume, eine Tanzkompanie und ein beeindruckendes Maß an Gemeinschaftsaktivismus umfasst, ein Trio neuer Regisseure, die Gründerin Gina Gibney auf ihrem gemeinsamen Weg in die Zukunft führen wird.
Black Lives Matter hat die Welt verändert
Die Tanzgemeinschaft war eine der ersten, die auf den Mord an George Floyd mit einem stärkeren Engagement für Gerechtigkeit, Vielfalt und Inklusion reagierte. Einige Farbkünstler berichten jedoch, dass ein gesteigertes Interesse an ihrer Arbeit, obwohl es gut gemeint ist, manchmal zu Missverständnissen führen kann. „Symbolisieren wir diese Taten, stellen wir sicher, dass unser Konto super vielfältig aussieht, oder sind wir wirklich daran interessiert, ihre Kunst zu haben?“ fragt Guha, der sich auf klassischen indischen Kathak-Tanz spezialisiert hat. „Als Künstler wollen wir Dinge schaffen, die relevant, aufregend und vollständig sind, und unsere besten Arbeiten präsentieren. Aber wir wollen uns Institutionen und Orten nicht ständig erklären“, sagt sie. Sie möchte, dass sie sie auf halbem Weg treffen, um sich über den Job zu informieren. “Warum würdest du mich programmieren, wenn du nicht weißt, was ich tue?”
Es achtet und respektiert den durchdachten Ansatz für EDI (Equity, Diversity and Inclusion), den White Bird verfolgt. Während ihr Engagement, farbige Künstler hervorzuheben, weit zurückreicht, haben sie es nach 2020 vertieft. „Während der Trump-Administration hatten wir hier 124 aufeinanderfolgende Protesttage“, sagt King. „Sie schickten Milizen ohne Spuren – man konnte nicht sagen, woher sie kamen – und sie holten Menschen von der Straße, setzten ihnen Kapuzen auf und nahmen sie mit zum Verhör. Es war gruselig.” Seitdem hat White Bird ein EDI-Board hinzugefügt, und es ist nun geplant, einen EDI-Direktor für das kleine Team von vier Personen einzustellen. „Diese Person wird bei jedem Gespräch mit am Tisch sein, egal ob es um Finanzierung, Community-Engagement oder Programmierung geht. EDI wird Teil jedes Elements von White Bird sein“, sagt King.
Die Tourkosten sind gestiegen und das Publikum ist kleiner
Garcia von Pentacle berichtet von einigen positiven Veränderungen bei der Einstellung von Künstlern auf Tournee. Die Organisation vertritt Künstler wie Ephrat Asherie, Staycee Pearl und David Dorfman und berät und setzt sich seit den 1970er Jahren für Tänzer ein. Als Tourneen wegen COVID abgesagt wurden, ließen Klauseln über höhere Gewalt Künstler für mehr Arbeit unbezahlt, die sie bereits geleistet hatten um sich auf die Verlobung vorzubereiten, und ohne Garantie, dass der Moderator versuchen würde, die Aufführung auf einen späteren Zeitpunkt zu verschieben. Die meisten Moderatoren forderten auch die Rückzahlung geleisteter Zahlungen. Zusammen mit anderen in der Branche arbeiteten Garcia und sein Team daran, eine gerechtere Risikoteilung zu gewährleisten. Dennoch bleibt noch viel zu tun, um die Künstler besser zu unterstützen, denn Verträge haben in der Regel den Moderator begünstigt. “Wir sind in einer besseren Landschaft”, sagt sie. „Das ist eine kleine Änderung und eines der vielen Dinge, die wir immer noch versuchen herauszufinden.“
„Was das Touren angeht, sehen wir uns alle mit steigenden Ausgaben konfrontiert“, fährt Garcia fort. „Und meistens kehren die Zuschauer nicht in der gleichen Zahl zurück wie zuvor.“
Das gilt für White Bird und The Cowles Center in Minneapolis. Die Co-Regisseure von Cowles, Joseph Bingham und Jessi Fett, haben eine „Pay as you are“-Option eingeführt, um das Publikum wieder aufzubauen. Für bestimmte Shows können Ticketkäufer wählen, ob sie den fairen Marktwert oder etwas unter oder über diesem Preis zahlen möchten. „Es geht darum, ein Publikum dort zu bedienen, wo es wirtschaftlich ist“, sagt Bingham und merkt an, dass die Leute oft eine Spende hinzufügen. Basierend auf den Erfahrungen anderer Kinos ist er darauf vorbereitet, dass die Einnahmen zunächst sinken, hofft aber schließlich, den fairen Marktwert eines Tickets zu erhöhen, ohne die Erschwinglichkeit zu beeinträchtigen. „Weil realistisch gesehen der Marktwert steigen muss“, sagt er, wenn die Künstler ihren Lebensunterhalt bestreiten und ein Theater ihre Kosten decken soll. „Ich denke, wir lernen Dinge. Wir werden sehen, wie es am Ende läuft.“
Künstlergerechte Vergütung und Zugang zu Finanzmitteln
„Die Dinge kosten mehr, aber wir versuchen auch, das Ökosystem zu fördern und die Bezahlung der Künstler zu erhöhen“, sagt Bingham. Die beiden Direktoren von Cowles erkennen an, dass ein Engagement-Honorar die Gesamtkosten widerspiegeln sollte, die einem Künstler entstehen, wenn er seine Arbeit auf die Bühne bringt – einschließlich der Gestaltung und des Aufbaus eines Stücks, der Probenkosten und der gerechten Bezahlung der Künstler. Es ist mehr als nur aufzutreten und aufzutreten. The Cowles bietet auch ein Residency-Programm namens Generating Room an, um lokale Tanzkünstler durch die Bereitstellung eines Stipendiums und Raums zu unterstützen, ohne Bedingungen und ohne dass eine Aufführung erforderlich ist. „Wenn die Mittel nicht erhöht werden, um die Künstler vollständig zu entschädigen, ist es schwierig, so viel zu programmieren, wie wir wollen“, sagt Fett.
Die Art der Unterstützung, die sich The Cowles vorstellt, ist für unabhängige Künstler, die von den aktuellen Stipendienvergabeverfahren nicht gut bedient werden, von wesentlicher Bedeutung. „Ich finde die Schreibstipendien ziemlich beeindruckend“, sagt Joanna Futral aus Brooklyn, die bei The Lovelies tanzt, einer Kompanie, die von ihren drei Mitgliedern kooperativ geführt wird. “Wenn Sie keinen Stipendienautor einstellen können, ist dies keine praktikable Möglichkeit, Geld zu verdienen.” Der Zeitaufwand für die Erstellung des Förderantrags kann die Höhe des Stipendiums leicht überschreiten – sofern der Künstler das Glück hat, eine Förderung zu erhalten. Künstler wie Futral und Guha würden sich wünschen, dass der Prozess mit einem universellen Stipendienantrag und mehr mehrjährigen Stipendien gestrafft wird. Beispielsweise können viele der in einem Förderantrag angeforderten Informationen online gefunden werden. „Vielleicht treffen Sie uns persönlich“, schlägt Guha vor. „Finden Sie einen Weg, sich mit unserer Arbeit zu beschäftigen. Treffen Sie uns dort, wo wir sind, damit wir uns nicht zu sehr eingeschüchtert fühlen, um uns zu beweisen.“
Es gibt einige hoffnungsvolle Einblicke: Als Alternative zu hart umkämpften und ungleich verteilten Stipendien führte die Andrew W. Mellon Foundation 2022 ein universelles Einkommensprogramm ein. Creatives Rebuild New York zahlt 2.400 Künstlern jeweils 1.000 US-Dollar pro Monat für 18 Monate, ohne Bedingungen. Sechs Prozent der Pilotempfänger identifizierten sich als Tänzer.
